Der Same des Granatapfels

Nach dem Furor kommt die Ablagerung. Nach dem Lauf die Stille, die bleibt. Der Same des Granatapfels kommt so, im Jahr 2007, wie die zweite Zeit einer filmischen Trajektorie, die nichts mehr beweisen musste, aber dennoch Strenge, Zuhören, Treue forderte. Es war nicht mehr das Kino der jugendlichen Dringlichkeit, sondern das der Verantwortung des Blicks. Ein Kino, das weiß, dass jeder Schnitt Gewicht hat, dass jede Wahl etwas wegnimmt, um anderes hervorzubringen.

Der Film von Silvana Strocchi, Der Same des Granatapfels, ist ein Werk, das von Schichtungen lebt, von Symbolen, die keine unmittelbaren Erklärungen suchen, von einer Erzählung, die mehr durch Anspielungen als durch Behauptungen voranschreitet. Es bedeutete, ihn zu schneiden, in eine andere Zeit einzutreten als in den vorhergehenden Jahren: eine langsamere, nachdenklichere Zeit, in der die Arbeit nicht darin bestand, das Bild nach außen zu drängen, sondern es zu begleiten, bis es seine eigene Form fand. Der Schnitt war hier nicht mehr ein Akt des Kampfes, sondern ein Akt der Fürsorge.

Von diesem Film ist online wenig geblieben, fast nichts. Keine einfache Zirkulation, keine algorithmische Erinnerung. Nur Fragmente, wie es oft bei Werken der Fall ist, die nie laut sein wollten. Unter diesen eine Szene: der Tod des Malers Beccarini. Ein Moment, der wie eine Insel widersteht, nicht weil er „emblematisch“ ist, sondern weil er den Ton des gesamten Films in sich trägt. Das Ende als Übergang, nicht als Abschluss. Das Bild, das sich zurückzieht, anstatt zu explodieren. Die Malerei, die zum Körper wird, und der Körper, der akzeptiert, still zu sein.

Heute diese Szene noch einmal zu betrachten, bedeutet, den Abstand zwischen zwei Epochen des Lebens und des Blicks zu messen. Im Jahr 2000 war das Kino noch eine kontinuierliche Verbrennung, ein totaler Akt. Im Jahr 2007 war es zu einer bewussteren Praxis geworden, vielleicht fragiler, aber auch tiefer. Es gab nicht weniger Leidenschaft, es gab weniger Bedarf, sie zu beweisen. Der Schnitt suchte in diesem Kontext nicht, bemerkt zu werden: Er arbeitete, damit der Film atmen konnte, damit jedes Bild die Zeit hatte, zu existieren, bevor es ersetzt wurde.

Der Same des Granatapfels bleibt so: ein Werk, das nicht viele sichtbare Spuren hinterlassen hat, aber das tief in die Art und Weise eingegriffen hat, das Kino als stille Arbeit zu verstehen, als Handwerk, das den Schatten akzeptiert. Ein Film, der nicht darum bittet, aus Nostalgie wiederentdeckt zu werden, sondern aus Kohärenz. Denn er erinnert uns daran, dass nicht alles, was zählt, leicht auffindbar sein muss und dass einige Bilder gerade deshalb weiterleben, weil sie nicht konsumiert wurden. Wie bestimmte geschlossene Früchte, die viele Samen in sich tragen und sich nicht beeilen, sich zu öffnen.